jueves, 30 de mayo de 2013

EL RESPLANDOR


Título original: The Shining
Año: 1980
Duración: 146 min.
País: Estados Unidos
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick & Diane Johnson (Novela: Stephen King)
Música: Rachel Elkind & Wendy Carlos
Fotografía: John Alcott
Reparto: Jack NicholsonShelley DuvallDanny LloydScatman CrothersBarry NelsonPhilip StoneJoe TurkelLia BeldamBillie GibsonBarry DennenDavid BaxtManning RedwoodLisa BurnsLouise BurnsAlison ColeridgeNorman Gay
Productora: Warner Bros. Pictures / Hawk Films / Peregrine
Género: Terror/Sobrenatural. casas encantadas. fantasmas. drama psicologico. pelicula de culto.

- Querida. Sol de mi vida. No voy a hacerte daño. No me dejaste terminar mi oración. Dije, no voy a hacerte daño ¡sólo voy a aplastarte los sesos! ¡Los malditos sesos!
                                                           Jack Torrance EL RESPLANDOR


                              


Stanley Kubrick fue director de cine, guionista y productor estadounidense y considerado por muchos  como uno de los más influyentes cineastas del siglo XX.
Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, la música (el jazz en particular)  y el ajedrez. Estas tres aficiones serían fundamentales para la futura carrera como director.

Era conocido por ejercer el control artístico total sobre sus proyectos. Sus películas están representadas a través de una selección de guiones anotados, fotografía, producción de lentes y cámaras.

Kubrick debutó como director cinematográfico con una serie de documentales rodados a comienzos de los años 50, los cortos Day of the fight (1951), Flying Padre (1951) y The seafarers (1953). Realizó su primera película en 1953 aunque no gozo del aplauso del público hasta el estreno de Senderos de Gloria (1957). Sus siguientes películas fueron Espartaco (1960), Lolita (1962), Teléfono rojo, ¿Volamos hacia Moscú? (1964), las cuales le consolidaron como un director meticuloso y perfeccionista.

En 1968 asombró con 2001: una odisea en el espacio, y tres años más tarde estrenó su filme más polémico, censurado durante años, La naranja mecánica (1971).  

En sus siguientes obras, Barry Lyndon (1975), El resplandor (1980), película de terror basada en la obra homónima de Stephen King, y La chaqueta metálica (1987) fue acusado de una excesiva frialdad.

El resplandor fue catalogada como una de las 10 mejores películas de terror de todos los tiempos. Está basada en la novela homónima de Stephen King y el director requirió la colaboración de la escritora Diane Johnson. Con ella, se concentró en la familia desestructurada que formaban Jack, Danny y Wendy Torrance.
Kubrick ya había empleado esta familia desestructurada en sus dos antiguos proyectos: en La Naranja Mecánica, Álex era un psicópata marginado repudiado por unos padres que no le comprendían mientras que en Barry Lindon, Barry adoraba a su hijo pero ignoraba a su mujer y a su hijastro. Algo parecido ocurre con El resplandor, centrándose  Kubrick en Jack Torrant, quien se convierte en un asesino debido a que no se puede dedicar a escribir por obligaciones familiares.

La película narra la historia de un hombre, Jack Torrence, el cual acepta junto a su mujer y su hijo un trabajo como guardia del hotel Overlook durante el invierno para poder escribir. Danny, su hijo, tiene poderes paranormales al igual que el cocinero del hotel, Dick Hallorann. Al llegar el invierno, las líneas telefónicas se estropean y la familia queda aislada del mundo. Jack está bloqueado porque no puede esribir. Danny  al ver a dos niñas muertas en el pasillo, grita y aparece con un moretón en el cuello. Wendy culpa a jack de ello y este al discutir con su mujer entra en la sala de baile y pide una cerveza. La locura de Jack aumenta y empieza a perseguir a su hijo por el laberinto que hay detrás del hotal mientras que Wendy se enfrenta a los fantasmas que pueblan el edificio. Wendy y Danny escapan en un coche oruga y jack muere congelado en el laberinto.

Una de las cosas a destacar en esta película es el reparto de papeles. Desde mi punto de vista, Kubrick ha sabido seleccionar bastante bien a sus actores principales.

 Jack, de 30 años de edad, siente pasión por escribir novelas y relatos. Está en proceso de superación de la adicción al alcohol y busca un lugar tranquilo para poder escribir. En el pasado causó heridas a su hijo Danny, un incidente del que nadie quiere hablar. Jack Nicholson interpreta bastante bien el papel de locura de Jack Torrence.

Wendy, su mujer, es frágil e interesante, y está dispuesta a todo para defender a su hijo. Según la interpretación sociológica de la película, Kubrick lo que pretendía era resaltar el machismo como una de las manifestaciones de las relaciones de poder amo-criado. Shelley Alexis Duvall supo encarnar bien el papel de madre protectora.

Danny, su hijo de 7 años de edad, tiene poderes paranormales. Es un chico imaginativo e introvertido. Hace que se le aparezcan las gemelas y le piden que se una a ellas. Danny enfrenta a su padre valientemente. Danny Lloyd, a su escasa edad, interpreta este papel muy bien. Fue protegido por Kubrick en todo el rodaje.

En esta película se integran dos conceptos independientes, los poderes extrasensoriales de Danny y la casa encantada. Este film contiene alguna de las escenas mas inquietantes del cine de terror.
Una de ellas es cuando Danny pasea con su triciclo por los pasillos del hotel Overlook, lugar donde comienzan a suceder diversos fenómenos paranormales. El niño es seguido por la Steady-cam con el sonido de fondo de la fricción de las ruedas contra la alfombra. Cada vez que doblaba una esquina se generaba un momento bastante aterrador.

Y la otra es cuando Jack intenta entrar en el baño para acabar con su mujer. Ese momento en el que empieza a dar hachazos en la puerta y luego asoma la cabeza, es magistral.

En cuanto a la realización de la película, uno de los elementos más destacables es el uso de la steady-cam creado por Garrett Brown, quien filmó la mayor parte de la película  porque podía colocar la cámara en posiciones imposibles. La película comienza con vistas aéreas de las Montañas Rocosas.

La música, por otro lado juega un papel fundamental en esta película ya que crea momentos de misterio, persecución  y sensación de estar atrapado. Cada vez que aparecía el nombre del día que era, es decir cuando transcurría el tiempo, la música tenía un sobresalto que ponía los pelos de punta.  La música utilizada es un verdadero festín para los amantes de la música contemporánea, incluyéndose obras de tres autores clásicos del siglo XX: Bela Bartok, Gyorgy Ligeti y Krzysztof Penderecki.

Podemos decir que es una película con una magnifica fotografía y efectos sonoros. Kubrick hace uso de planos fijos con innovadores movimientos de cámara, gracias como hemos dicho anteriormente a la steady-cam.

A lo que se refiere al doblaje, desde mi punto de vista se rompe con la tensión y el tono original.

Para concluir, El resplandor es una de las mejores películas de miedo de la historia del cine y una de las obras maestras del director Stanley Kubrick. Sabe congujar bastante bien el suspense, la intriga y la acción. 

viernes, 24 de mayo de 2013

GRAN TORINO (CLINT EASTWOOD)



Título original: Gran Torino
Año: 2008
Duración: 119 min.
País: Estados Unidos
Director: Clint Eastwood
Guión: Nick Schenk (Historia: Nick Schenk, Dave Johannson)
Música: Kyle Eastwood, Michael Stevens
Fotografia: Tom Stern
Reparto: Clint Eastwood, Christopher Carley, Bee Vang, Ahney Her, John Carroll Lynch, Cory Hardrict, Brian Haley, geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Howe, Doua Moua, Sarah Neubauer, Chee Thao.
Productora: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures / Malpaso Productions / Double Nickel Entertainment
Género: Drama/Vejez. Imaginación. Racismo. Amistad

“¿Nunca os habéis cruzado con alguien a quién no deberíais de haber puteado? Ese soy yo”                            
                                                                                             
                                                                                                                Clint Eastwood


                       



 Clin Eastwood es unos de los directores y actores  más destacados de la segunda mitad del siglo XX. Además ha sido productor cinematográfico, guionista, músico y compositor. Nació en San Francisco aunque se crió en Oakland. Desarrolló una impecable carrera en Hollywood con una profunda capacidad interpretativa y un gran talento como un autor cinematográfico.

Además de esta gran obra, Clint Eastwood tiene bastantes títulos en su resoetada filmografía como: “En la línea de fuego” (1993), “Los puentes de Madison” (1995), “Space cowboys” (2000), “Mystic River” (2003), “Million Dollar Baby” (2004) con la que fue galardonado con el Oscar y el Globo de Oro como mejor director y mejor película.

Cuatro años después de intervenir en “Million Dollar Baby”, Clint Eastwood protagonizó “Gran Torino”, un drama con trazos de comedia que aborda asuntos familiares, racismo, violencia, valores y educación.
Aunque no haya necesitado ni de grandes despliegues en la puesta en escena ni de grandes inversiones para realizar este film, podemos decir que Gran Torino nos transmite una historia humana y sencilla que refleja el crítico estilo de vida americana.  

Uno de los temas fundamentales de esta película es el racismo, siendo el protagonista, Walt Kawolski, un tipo bastante racista que no soporta vivir rodeado de chinos y sudamericanos. El tema del racismo es un tema bastante actual que afecta a muchas partes del mundo ya que persiste la discriminación social, los conflictos étnicos y la violencia.

La acción transcurre en un barrio norteamericano donde conviven personas de distintas razas, culturas, idiomas…, personas que están obligadas a convivir en los márgenes del conflicto social. En este contexto situamos al protagonista de “Gran Torino”, un anciano viudo (Walt Kawolski) que está siempre de mal humor y que desprecia a sus vecinos por ser de otras razas. Al fallecer su mujer, de lo único que se preocupaba era de cuidar su gran tesoro, un coche Gran Torino de 1972. Hasta que una noche, intentaron robárselo. Walt sorprendió a Thao queriéndose llevar su tesoro, quién fue mandado por una banda de adolescentes que se habían adueñado del barrio.
Thao le confiesa a Walt que fue él quien le quiso robar el coche. Su madre y su hermana le propusieron a Walt que Thao trabajara para él como recompensa de lo que había hecho.  Walt acepta y así comienza el acercamiento entre los dos y su familia, a quién en principio desprecia pero que luego se da cuenta de que tiene más en común con ellos que con su propia familia. Sus hijos y nietos solo se mueven por interés, incluso lo el día de su cumpleaños lo quisieron meter en un asilo. Walt termina tomándole bastante cariño a esa familia asiática.

Este “cascarrabia” de protagonista es el que encarna Clint Eastwood. Es su despedida del cine como actor por sus ochenta años de edad. La actuación de Eastwood es lo más destacado de esta película por ser un hombre marcado por su pasado y por un presente en el que se siente desplazado ya sea por su familia o por los prejuicios que tiene hacia sus vecinos asiáticos.

Ahney Her, que interpreta a Sue, para ser su primer estreno como actriz, tiene un papel bastante logrado. Es unos de los personajes más importantes de la película.

Bee Vang, que interpreta a Thao, tampoco tenía mucha experiencia como actor pero consiguió ser un niño que transmitía cierta ternura.

El papel que desempeña Christopher Carley, el sacerdote, a priori puede parecer un papel poco importante pero es bastante interesante. Cercano y amable se interesa por los problemas que ocurren en el barrio e intenta que Walt vaya a la iglesia a confesarse, petición que le hizo su mujer a Janovich cuando murió.

Las interpretaciones de las bandas urbanas de adolescentes, es el único papel que desde mi punto de vista no son muy naturales.

Respecto al aspecto técnico, como mencionamos más arriba, aunque no es un una película que  haya necesitado ni de grandes despliegues en la puesta en escena ni de grandes inversiones para realizar, tiene un gran trabajo de iluminación por el juego de contraluces. Con respecto a la música, producida por su hijo, Kyle Eastwood, destaca en ciertos momentos especiales, como en el momento en el que Walt sale de su casa armado y armado para enfrentarse a la banda de adolescentes.

Hay que destacar la escena en la que Sue llega a su casa agredida por la banda. Es una escena que sobrecoge al espectador por su aspecto físico y aun te conmueve ms porque al no apreciarse el momento en el que le han pegado la paliza no te esperas hasta qué punto ha llegado esa agresión.   

Otro punto interesante en esta película, es el doblaje al español, que no favorece para nada al film. Tanto las expresiones y el tono con el que interpretan los actores no aportan el mismo significado que tiene la versión original.

El guión es conciso y preciso, y entre otras cosas, lo que se pretende con este guión es transmitir emociones y cierta reflexión. Cada plano está cargado de bastante contenido.

Para concluir, “Gran Torino” es un film que refleja los aspectos de nuestra sociedad y los conflictos existentes en los Estados Unidos. Clint Eastwood lo que pretende con esta película  es regalarnos momentos de simpatía, risa, angustia, emociones…y desde mi punto de vista lo ha conseguido.

viernes, 10 de mayo de 2013

LA CLASE (2008)


ENTRE LES MURS 

Título original: Entre les murs
Nacionalidad: Francesa
Director: Laurent Cantet
Intérpretes: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounad'dja Racheau, Juliette    Demaille
Productora: Haut el Court
Guión: François Bégaudeau, Robin Campillo, Laurent Cantet
Fotografía: Pierre Milon
Música: Varios 
Montaje: Robin Campillo
Género: Drama/ Enseñanza
Año de producción: 2008


"Antes de rodar Hacia el sur, pensé en hacer una película acerca de la vida en un instituto. Muy pronto decidí que toda la película debía transcurrir dentro del colegio. Cada vez se habla más de "santuarizar" el colegio. Pero yo quería, al contrario, demostrar que los colegios son como una caja de resonancia; un lugar que se hace eco de los acontecimientos; un microcosmos donde entran en juego cuestiones de igualdad o desigualdad de oportunidades, de trabajo y de poder, de integración cultural y social (...) 

 Declaraciones de Laurent Cantet





Laurent Cantet es un director de cine que nació en Melle (Francia) en 1961. Entre 1986 y 1994 se formó en el IDHEC en París. Recursos humanos, su primer largometraje obtuvo el Premio Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián. Su filmografía continuó con El empleo del tiempo, (2001) León de Oro en Venecia, Hacia el Sur (2005) a competición en Venecia y Entre les murs (2008) Palma de Oro en el Festival   de Cannes, todas ellas mostradas en Zabaltegi-Perlas del Festival de San Sebastián.

La clase es un verdadero ejemplo sobre el mundo de la educación escolar. Es una película basada en el libro  "Entre les murs" de François Bégadeau, escritor, actor y crítico de cine de origen francés, donde recoge algunas de sus experiencias profesionales. Interpreta al profesor protagonista, un profesor de lengua que lo que pretende es que sus alumnos reflexionen, razonen sus ideas y expresen por qué tienen un determinado punto de vista. en vez de enseñar el uso del francés. 
El título original de la película es Entre les murs. A diferencia de muchas películas que tienen como escenario las aulas, La clase no sale nunca al exterior.

La sociedad francesa del siglo XXI, es una sociedad de desigualdades sociales. En esa época comenzaron los disturbios de Francia de 2005, que se extendieron por el resto de Francia y por otras ciudades de Europa. Estos disturbios se caracterizaron por los incendios de coches y por los violentos enfrentamientos entre jóvenes. Los suburbios acogen a inmigrantes del norte de África, lo cual contribuyó a las tensiones étnicas y religiosas. 
Es por todo esto, por lo que también se reflejaba en las aulas, como hemos apreciado en La clase. 

Cantet, Bégadeau y Robin Campillo han sabido mostrar lo que acontece en las aulas y en las reuniones de los profesores. Toda la historia transcurre dentro del instituto, lo que hace que podamos apreciar mejor lo que pasa dentro de las aulas aunque lo que pasa en el exterior repercute a lo que pasa en el interior y de ahí el comportamiento de los alumnos. 

CRÍTICA 

Como hemos dicho con anterioridad, François es un profesor de Lengua en un instituto de París. Su clase está compuesta por alumnos de diferentes etnias y culturas, entre 14 y 15 años de edad. Este profesor lo que intenta es que todos participen de igual forma, pero a lo largo de este largometraje vemos que tiene bastantes problemas a la hora de enseñarles a que razonen sus ideas, por lo que tropieza con un cierto rechazo e indisciplina por parte de los alumnos. 
El papel que desempeñan los personajes puede ser uno de los elementos más destacados de este film, ya que son personajes reales. El profesor Françóis, es un hombre que intenta acercarse a sus alumnos para transmitirles confianza. El no quiere que lo vean como una autoridad, al contrario, de ahí su actitud hacia ellos. Por otro lado, están los alumnos, cada uno de ellos con diferentes culturas y valores.Todos juntos tienen que saber convivir dentro de ese microcosmos que es la clase. 

El profesor Marin se ve obligado a medir cualquier palabra que dice para evitar posibles connotaciones ideológicas. Este debe conocer el lenguaje de estos jóvenes para dirigirse a ellos. Los alumnos discuten, murmuran, se pelean, desafían al profesor intentando integrarse en este microcosmos de la sociedad. La relación profesor-alumno no es perfecta ya que hay algunos que responden mejor que otros y e incluso algunos se niegan a responder. El profesor intenta con un ejercicio que les manda a que se den a conocer tal y como son. A algunos le parece una estupidez pero que al final terminan haciéndolo y se alegran de ello. 

La enseñanza es un tema que nos afecta hoy en día a nivel mundial, ya que es un tema bastante delicado. Los educadores tienen un difícil trabajo ya que transmitirles tus conocimientos a adolescentes de un instituto marginado es bastante complicado. Ejemplo claro es este film, donde François consigue transmitirles a sus alumnos ciertos conocimientos de un modo peculiar que es haciéndolos conocer unos a otros. 

En la película observamos ciertos movimientos de la cámara que lo único que pretende es darle cierto realismo a los hechos. Cantet intenta filamr la espontaneidad de los gestos de los alumnos, es decir, lo que ocurre del lado de la pizarra o de un alumno en concrto. En cuanto a los diálogos, los actores hablan a la vez  por lo que hay una sucesión de planos para intentar seguir la conversación. A veces es complicado seguirla. 

No hay música en toda la película pero sí que destacan los zooms. La ausencia de localizaciones también es un elemento a destacar, ya que toda la película esta filmada dentro del instituto y en concreto en la clase. La información que se tiene del exterior es cuando los padres van al instituto e incluso la educación que cada alumno obtiene de estos ya que eso repercute en el interior de este microcosmos. 

Para concluir, he de decir que es una obra maestra la cual trata sobre grandes problemas sociales de la actualidad. El final de este film puede parecer un poco raro, ya que acaba con una imagen de la clase vacía. Cantet lo que nos ha querido transmitir con eso es que cada uno reflexionemos sobre la educación al haber visionado esta obra. La clase nos describe una visión realista  de la educación . 












FIN de Gabriela Martí (1998)


El cortometraje titulado FIN de Gabriela Martí, ya solo al comenzar te da una pista sobre qué va a ir el corto, puesto que al hacerlo con los créditos a la inversa, ya se sabe que la historia va a ser contada desde el final al principio. La historia se cuenta al revés y puede ser por ello por lo que el espectador no pierde ningún detalle. 

La primera imagen que nos muestra la realizadora Gabriela Martí es la de una anciana en una cama de un hospital. Al tener los ojos cerrados, nos hace pensar que está muerta, que el corto acaba con la muerte de ésta. A lo largo del corto se va desvelando la causa de la muerte de la anciana. Aunque no se aprecie del todo claro el motivo de la muerte, desde mi parecer el tema de la eutanasia cobra bastante importancia.

Todas estas imágenes sin diálogo junto con la música que hace que estemos durante todo el cortometraje inquietos, nos envuelve en un ambiente frío. En el ambiente también influyen los colores, como el  blanco y el negro cuando la anciana está en el  hospital  y un verde cuando aparece la localización del parque, en el que  parece que la anciana vuelve a tener vida.

FIN es un verdadero ejemplo de saber expresar y hacer sentir sensaciones sin diálogo alguno. Gabriela Martí nos transmite bastantes emociones con este magnífico corto en tan poco tiempo.